La semana pasada pudimos disfrutar en la Corporación Ferias y Exposiciones (Corferias), de cuatro días de una de las propuestas de exhibición de arte contemporáneo más importantes que se han hecho en Colombia, La feria Internacional de Arte de Bogotá “ARTBOG” liderada y patrocinada por la Cámara de Comercio de Bogotá es un evento que se ha constituido en una vitrina comercial por excelencia para el fortalecimiento de las industrias culturales y el intercambio artístico en América Latina por cinco años consecutivos.
En su quinta versión, más de 46 galerías compuestas por 16 nacionales y 30 internacionales entre las que pudimos contar con países como Argentina, Brasil, España, Costa Rica, Chile, Estados Unidos, Holanda, México, Perú y Venezuela, y con un aproximado de 200 artistas que nos demostraron su alta calidad y competitividad en el campo de las Artes visuales.
Los participantes como en años anteriores, fueron seleccionados por un comité formado por los galeristas Ana Torrejón, directora de la Galería Dabbath Torrejón de Argentina; Enrique Guerrero, de la Galería Enrique Guerrero de México; César Segnini, de la Galería Durban Segnini de Venezuela y Miami, y los colombianos Luis Ángel Parra, de la Galería Sextante y Juan Gallo,
director de la Galería Al cuadrado.
Por Colombia estarán presentes Alonso Arte, Alonso Garcés Galería,Cuarto Nivel Arte Contemporáneo, Galería Al cuadrado, Fhara Galería,Galería Casa Cuadrada, Galería Casas Riegner, Galería El Museo, entreARTE, La Galería, Galería La Cometa, Galería Mundo, GaleríaNueve ochenta, Mauricio Ruiz Galería, Galería Sextante, Monte alegre Galería de Arte, Galería Jenny Vila Arte Contemporáneo y Galería Duque Arango.
Cada vez el arte latinoamericano contemporáneo se vuelve más importante a nivel internacional. Los representantes de muchos lugares del mundo se están fijando en las propuestas de América Latina, llevando esto a que muchos artistas latinoamericanos se puedan presentar en galerías europeas o estadounidenses.
Vale la pena resaltar la labor de entidades como la Cámara de Comercio de Bogotá, que con este tipo de eventos realzan y le dan la importancia que se merece al Arte Contemporáneo en nuestro país.
Escribir sobre Leonardo Da vinci no es tarea fácil cuando muchos ya lo conocen y definen sus aportes a la humanidad atribuyéndole la marca con cincel del renacimiento y exaltándolo por sus diversas disciplinas como: arquitectura, escultura, pintura, música e ingeniería, considerado como
“El hombre del Renacimiento por excelencia. Humanista de primera línea, uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá la persona con más variados talentos de la historia.”
Este personaje de recia mirada, vida personal muy reservada pero controvertida por su evidente distanciamiento del sexo femenino y estrecha amistad con el conde Giovan Francesco Melzi quien escribe que : “los sentimientos de Leonardo hacia él eran amorosos y apasionados “ ;fue y sigue siendo uno de los hombres más admirados de la historia y quien con sus grandes virtudes deja un legado que recorre varios escenarios del mundo y que ahora se presenta en nuestro país con gran éxito, paso de la ciudad de Medellín a visitar a los bogotanos desde el pasado 17 de octubre y espera con las puertas abiertas a los admiradores de su arte e historia en el Claustro de la enseñanza, calle 72 N 7-51 hasta el próximo 22 de Noviembre.
Cultivarte con el ánimo de motivar a quienes aun no han podido cumplir la cita con esta magna exposición, les incentiva a que visten el súper especial de la exposición de Da vinci, El genio en Colombia ,a través de la pagina http://bogota.vive.in/davinci/ en donde encontraran comentarios y videos que los llevaran a apartar en su agenda un tiempo para el encuentro con el hombre considerado uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quien entre su diversidad de talentos, el ser inventor ,permitió avanzar en el desarrollo del armamentismo ,los medios de transporte y los conceptos de la proyección de la luz .
Visitar esta propuesta se convierte en uno de los mejores planes de fin de semana para estudiantes con un cómodo costo de $15.000; adultos $ 20.000 pesos entre semana y $ 25.000 los fines de semana, con horarios de atención de 8:00am a 7.00pm y visitas nocturnas de 7:00 pm a 9:00pm.La invitación es no dejar de asistir al encuentro con Leonardo Da Vinc, con la historia y sus valioso aportes a la cultura y el mundo .
¿Qué haría usted con un par de ollas viejas, unas monedas sin valor, una cadena de bicicleta oxidada y algunos pernos?. Seguramente muchos de los lectores los “botarían a la basura por inservibles”, sin embargo, para muchos artistas, dichos objetos se constituyen en la materia prima de su trabajo.
La escultura en chatarra es manejada con materiales pobres, conjunto de trozos de metal de desecho como hierro, cobre, bronce y aluminio, estos materiales son trabajados por artistas que salen de las típicas casillas de lo conceptual, sus obras son anárquicas, efímeras y antiestéticas.
En Bogotá contamos con esculturas elaboradas en chatarra, la muestra “Homenaje a Gandhi” ubicada en la calle 100 con carrera 7 costado suroriental, prueba que en Colombia también se puede practicar un arte diferente con materiales reciclables.
Feliza Bursztyn, escultora bogotana (1933 – París 1982), comenzó figurar como constructora de chatarras en 1961 e inauguró en Colombia el arte con materiales pobres y su real interés por el movimiento de la escultura, la llevo a convertirse en una de las más reconocidas artistas colombianas.
Al principio sus trabajos eran tímidos y casi elementales: conglomerados de ruedas, aros, tuercas, pequeñas láminas, deficientemente soldados en torno de un eje vertical, poco a poco se volvieron complejos, ricos y adquirieron la rara cualidad de transformar el carácter original de los materiales acumulados, así fueran éstos tarros, zunchos, alambres, tuercas o tornillos.
Bursztyn abrió un campo desconocido para la escultura colombiana cuando trabajo por primera vez en las chatarras: lo mismo pasó con Las Histéricas, años más tarde, y algo muy semejante pasa con Las Camas.
La escultora colombiana anduvo por los talleres de latonería y pintura, a las covachas donde los recicladores desmantelaban carros y máquinas, y con esos restos compuso extrañas flores metálicas, o los astros en espiral como el del edificio del SENA en Bogotá.
Había estudiado con Zadkine en París, y con el soplete y la máscara parecía rehacer el mundo, con su loca inventiva y con su talento impar. AI final compuso unas camas que se contorsionaban espasmódicas por obra de la electricidad y ante ellas un público perplejo no supo si reír o protestar. Parodia del amor o estremecimiento agónico, también Feliza, como Débora, iba más allá de lo previsible. Abría nuevos espacios para vivir y sonreír.
La Escultura es parte fundamental en la historia de la Universidad Nacional de Colombia, y esto lo confirma la exhibición que se lleva a cabo desde el mes pasado y que está culminando por estos días en el Claustro de San Agustín de la estatua del general Francisco de Paula Santander, elaborada por el artista Luis Pinto Maldonado en el año de 1990 por petición del Ex presidente de la República Virgilio Barco Vargas como imitación de la estatua real, realizada específicamente para ocupar la plaza central de la Universidad que para 1940 (año en que se realizó) llevaba el nombre del llamado “Hombre de las Leyes”, homenaje realizado por ser éste uno de los pioneros de los establecimientos de educación superior en el país.
La estatua original estuvo en esta plaza entre 1940 y 1976, año en el que después de unas airadas protestas, quizás de las más fuertes que se hayan presentado en la universidad, los estudiantes tomaron una cuerda, bajaron la estatua de su pedestal y arrastrándola por la que ahora conocemos como la calle 26 causaron que esta perdiera su cabeza y se le ocasionaran múltiples daños. En dichos enfrentamientos, la policía tomó la estatua como botín de guerra, fue trasladada a la Inspección de Policía del barrio La Perseverancia y tiempo después a la Escuela de Cadetes Francisco de Paula Santander donde se encuentra en estos momentos.
Desde entonces, los estudiantes adoptaron al Ché Guevara como emblema de la plaza central”, afirmó Andrea Casas miembro del Sistema Patrimonio y Museos de la UN.
De esta réplica en Bronce existen cuatro, una ubicada en el Cementerio Central, dos fueron enviadas a París y Londres respectivamente y la cuarta trasladada a la Universidad Nacional con el propósito de reivindicar el nombre de Santander en la institución.
Está replica no contó con mejor suerte que la anterior, ya que catorce años después de los disturbios que perpetuaron su derrumbamiento fue instalada en 1990 en el vestíbulo de la Biblioteca Central del campus, pero meses después, fue violentada por un grupo de estudiantes que ingresaron a la Biblioteca Central, la bajaron de su pedestal y la sacaron de allí ocasionándole grandes daños en la cabeza, el brazo, la rodilla y la espalda.
Después de 16 años y un largo camino por las bodegas de la universidad, envuelta en papel periódico y enviada al olvido, la estatua fue colocada en uno de los patios del edificio de la Escuela de Diseño Gráfico.
El Sistema Patrimonio y Museos de la universidad Nacional de Colombia, quiso recuperar la memoria universitaria a través del rescate de esta escultura y fue una de las estatuas invitadas para ser exhibida en el claustro en espera de su restauración, para llevarla posteriormente al Museo de Artes de la UN.
Ryszard Kapuscinskiperiodista, historiador, escritor y ensayista. Afirma: “no hace falta fijarse en la política, sino en el arte. Siempre ha sido el arte el que, con gran anticipación y claridad, ha indicado que rumboestaba tomando el mundo “.
Estaafirmacióninvita a reflexionar tras la experiencia de buscar durante varios días a través del medio mágico de la Internetla historia de la pintura.
Recorrer cada época, le da a esta afirmación más que cuerpo, fondoyse hace realidad cuando te adentras en el mundo de la prehistoria y encuentras que cada manifestación pictórica de la época paleolítica, mesolíticoo neolítica, tiene que ver con los cambiosque soportabanlos seres en ese momento; cambios climáticos, evoluciónen sus costumbres y la forma de ver su mundo.
Cuandose revisa lahistoria y la pintura rupestre con las Cuevasde Altamira en España, se comprende cada uno de los aspectos anteriormente expuestosy aunque todos los registros pictóricosno seantotalmente comprensibles se puede descifrar cómo al inicio el hombre se veía postrado ante el animal, que era su objetivo de caza y como le dabanpreponderante importancia en su diario vivir .
El arte y el hombre una sola evolución
Finalizando esta época, en el tramite de dejar su vida nómada y volverse más sedentario el hombre comoparte de una tarea inconciente de reflexión,se define más en las pinturas, se presentamás robusto , más fuerte ante el animal el cual al inicio lo aplastaba con su exagerado volumen , pareciera que el hombre al fin decide imponerse a la naturaleza .
Estas expresiones artísticas de los pequeños hombres peludos yanalfabetasde aquel periodo muestran comoimprimieron su fuerza al interiorde sus obras, las cuales no han sido ni serán superadas segúnestudiosos de la materia.
Los egipcios por su parte aportan lo suyo y se acercan más a al sentir del hombre y convierten la pintura en escritura para expresar la búsqueda del favor de los dioses , plasmaunpoco más claro al ser , aunquesolo se atreve a revelarlo de costado , sin volumen ni profundidad; bondades que los griegos ensu participación dentro de la historia de la pintura acompañancon luz y perspectiva , dos conceptosque van dando al trabajo de los maestros de esa épocaun nuevo rumbo al ejercicio de pintar yexpresar la necesidad de registrar sus experiencias .
El retorno a través de la pintura
En la línea del tiempo dentro de la historiade la pinturase encuentra que cadaépocaes contada a través de ella;las guerras , la sensibilidad del hombredespués de la perdida de su amadaque lo lleva a escribir una novelaimpulsando asísin darse cuanta al romanticismo, el cualse opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas.
En cada tendencia, en cada técnica y en cadamanifestación la pintura hace alarde de su versatilidad y movimiento jugando con el tiempo y alimentando el espíritu que legaron los primeros hombres en usarla comola formade preservar su recuerdo en el futuro.
Hoy en día, en pleno siglo XXI sin cavernas y con mucho conocimiento circundando en las calles de las grandes metrópolis, se encuentraa los hombresqueriendo expresarsu impresiónde lo que lo rodea , de la misma forma como lo hizo el analfabetade aquella prehistoria , solo queyaha recibidode los antepasadosherramientas, técnicas y ahora hasta tecnologíaqueenredan más su existir, de tal formaque buscar nuevas propuestas en éste siglo, hastaestemomento,no es fácil, pues siel análisis lo permite, se ve como el círculo se cierra y parece que lo quehace siglosfuenovedoso einnovador , ahora solo es un acto de repetición, es decir que en el arte de la pintura, el retornoes un términoque nunca pasará de moda .
Una de las artistas más jóvenes de Colombia, ha logrado entrar a la casa de grandes personalidades como Donald Trump, Arnold Schwarzenegger y Marco Antonio Solís entre otros, llevando sus esculturas y supliendo los gustos decorativos de estos personajes. Liliana Mendez, hija de los escultores Pedro Miguel Méndez y Miriam Builes, fundadores de la firma Artes y Bronces ha llenado las expectativas de los amantes de la escultura; ella descubrió sus dotes artísticos y empezó a involucrarse en el proceso. Se capacitó, exploró nuevas técnicas para trabajar con distintos materiales y contempló la idea de conquistar mercados internacionales.
Sus inicios fueron esculpiendo figuras de bailarinas, ya que ésta fue una de sus frustraciones al no poderse realizar en este campo artístico. “Las bailarinas en todas sus formas incluso su posición en movimiento genera una corriente de energía muy positiva” dice la artista. “Si lo que se desea es decorar un espacio mucho más serio y varonil, la recomendación es buscar figuras como los caballos que representan libertad, fortaleza y seguridad y para aquellos espacios más relacionados con lo intelectual, el estudio, el trabajo, el arte o la concentración, es aconsejable tener figuras asociadas como instrumentos musicales o personajes de obras literarias afirma”. También aconseja no decorar con esculturas que tengan puntas como espadas, tijeras o dagas ya que roban la energía y obstruyen el buen ambiente.
La joven artista fue ganando espacio al presentarse en una Feria nacional en Corferias, donde realizó contactos con clientes internacionales. Ahora su empresa Artes y Bronces tiene sucursales en Venezuela, Brasil, Ecuador, España, México y El Salvador.
Se ha especializado en esculturas en bronce con combinaciones en plata ya que están de moda.
Sus diseños originales, minimalistas, están acordes con los espacios de hoy y además según ella atraen la buena energía para el hogar. De acuerdo con la cultura del Feng Shui, el bronce es un metal puro y sirve para armonizar los espacios ya que logra un efecto energizante y protector. La tendencia hacia formas más estilizadas y geométricas son figuras que concuerdan con la tendencia actual y con los espacios reducidos que se manejan.
“Una escultura es una fuente de vida para los espacios, se encuentran al alcance de todos y representan además la forma de sentir de la vida misma. Atraen la energía, generan calidez y frescura.”- concluye la diseñadora Liliana Méndez.
Si desea saber más sobre esta exitosa escultora contáctese con:
ARTES Y BRONCES
Liliana Méndez
Diseñadora Artística
Cll 100 No. 14B65
Tel: 6195938 www.artesybronces.com
“Mi acercamiento al arte partió de un dibujo, era un elefante, que realizó un compañero de escuela en primero de primaria, yo contaba con siete años de edad, el cual después de mucho insistir paró en mis manos y no descanse hasta lograr reproducirlo como el de mi amigo. Esto ocurrió en Duitama,Boyacá.”
De esta formainiciasu presentación el maestro Didier Franco, pintor y dibujante nacido en Medellín, Antioquia – Colombia, en 1974. Estudió licenciatura en artes plásticas en la Escuela Popular de Arte - E.P.A. entre 1996 y 2002. Desde el comienzo su trabajo ha sido figurativo con una fuerte influencia del expresionismo y el fauvismo.
Para aquellos neófitosdel arte pictórico y sus movimientos es importante mencionar que el expresionismo surgió paralelamente con el fauvismo. El primero, expresionismo, defiende un arte más personal e intuitivo, donde predomina la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –. El fauvismo del francés fauve, "fiera", término que denomina el estilo pictórico de características expresionistas tales como el uso de colores intensos, principalmente el verde. Destaca sobre todo por el cromatismo antinatural. Busca la fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que pueden verse en la realidad.
Convencido de su deseode ser artista –pintor, el maestro Franconos continúa su historia ratificando en cada una de sus palabras la lucha queenfrentabadurantesu infancia para que comprendieran, lo que llevaba en sus entrañas , el arte .“De regreso en Medellín dos años después de mi experiencia en Duitama, había en clase un compañero que hacía unos excelentes dibujos y busque hacerme en un puesto junto al suyo solo para ver como dibujaba y en esa carrera por aprender a copiar imágenes hice una gran colección de los dibujos de la página editorial El Colombiano, pág. 5, los cuales trataba de hacerlos iguales en un cuaderno aparte; desde ahí comenzó mi vocación como dibujante.
Continué haciendo estos dibujos por años y mi madre me entró a un curso de dibujo que iniciaba una cooperativa de ahorros el cual no duró mucho por la inasistencia de los niños matriculados, muchas veces fui solamente yo.
En séptimo de bachillerato estudiaba en un colegio con énfasis en metalmecánica, electricidad, ebanistería y mecanografía, al no ser ninguna de estas modalidades lo que yo necesitaba lo expuse a mis padres y como se hizo caso omiso a mis peticiones, hice todo lo posible por hacer que me echaran del colegio y lo logré.
En noveno ingrese a un colegio que me brindaba un bachillerato con énfasis en artes y ahí me quede. Con el apoyo de la profesora Glory Orozco logré hacer un acercamiento verdaderamente claro al arte porque ésta al ver mis ganas me regalaba cuanto material necesitaba para satisfacer mis necesidades frente al arte.
En 1996 tomo la decisión de estudiar artes plásticas e ingreso a la Escuela Popular de Arte (E.P.A. hoy día I.T.M.) de la cual me retiro faltando cinco materias pedagógicas las cuales no eran de mi interés. Mi deseo era solo pintar y dibujar (ser un artista) y eso ya me lo habían enseñado. Mi retiro fue en el 2002.
Tomé el Arte como forma de vida y a ésta me dedico.”
TODOS LOS POPULARES SONIGUALES, VÍRGENES URBANAS Y GENTES
Desde finales del noventa viene hablándonos de una ciudad viva, móvil, incluso caótica a través del estimulo que proporciona la arquitectura, la cultura, la cotidianidad y la vida de cada una de sus casas y de sus calles, mostrándonos lo dinámico que pueden llegar a ser cada una de nuestras ciudades.
El maestro Franco habita su ciudad-Medellín- conociéndola, viviéndola, sufriéndola y sobre todo amándola.
Su obra ha participado en varias exposiciones a nivel nacional e internacional. Actualmente vive y trabaja en su ciudad natal, Medellín.
En el momento de ingresar a algunas de sus propuestas artísticastituladas: Todos los populares soniguales, vírgenes urbanas y gentes, se interpreta la furia que lo arrastraa la franqueza y lo llevaa mostrar quehabitamos lugares donde coexisten la belleza y la fealdad, la alienación y la sociabilidad, la riqueza y la pobreza.Entonces nos manifiesta: “creo historias que nadie cuenta por carácter de importancia aparente, pero igual quedan grabadas en el alma de cada uno de nosotros, quizá más que los acontecimientos relatados en las noticias.”
En su extrema necesidad de mostrar una ciudad viva, móvil, incluso caótica, dándole fuerza por medio de colores brillantes y vibrantes, colores fuertes sin que estos hablen por si mismos, sino que sea la manera de mezclarse la que determine el sentimiento del cuadro. Nos afirma:”Aunado a esto, expreso la felicidad de transformar un papel o una tela en blanco con mis ideas, pensamientos, sensaciones y mi lenguaje plástico.”
Cuando envía sus obras con algunos de sus representantes porinvitación, por ejemplo como este año a la bienal Florencia Italia, parece que enmarcará a su país pero en especial a su ciudad-Medellín y señala : “quiero mostrar lo estrechamente unido que me encuentro al estímulo que ella me proporciona como su arquitectura, la cultura y la vida en cada una de sus casas, de sus cuadras, de sus calles … para dar a conocer lo dinámico que puede llegar a ser cada uno de nuestros barrios, inyectándole así a la obra un aliento propio más allá de la realidad la cual sirvió de punto de partida.”
Asegura que sus obras posibilitan la reflexión de las personas frente a las diversas situaciones que vivimos cotidianamente, invita a los colegios a tomar conciencia de la importancia de la educación artística como tal y terminacontándonos que sus maletas están listas pararepresentar a Colombia con el colectivo sensibilizarte en México.
Conla vitalidad por sus años y el carisma que representa se despide diciendo: “Estoy a la espera del lanzamiento del libro VOCES ESCONDIDAS II de la editorial DELTA de Castilla y León (España) en el que la portada es EMIGRACION una obra que muestra la movilidad del hombreen buscadel sentido a su existencia.
Ésta es la consigna que desde hace varios años utiliza Jaime Zapata, administrador y orfebre del Museo del Cobre, una pequeña galería en el centro de Bogotá, que exhibe toda clase de piezas trabajadas en Cobre y Bronce.
Pero, ¿Museo del Cobre?. Es muy aventurado decir que todos los habitantes de esta bella ciudad sepan de su existencia (es más, a duras penas se sabe que existe un Museo que dedica casi toda su colección a exhibir muestras trabajadas en Oro), sin embargo, aquellos que han tenido la oportunidad de visitarlo saben que al entrar allí el mundo se paraliza, los minutos parecen regresar siglos y la mente viaja hacía una aventura jamás conocida.
Hay quienes argumentan que el oro, material precioso y costoso, es muy apetecido por su belleza y por las características propias que no permiten que muera en su brillo, pero hay también gentes que se aprovechan de este gusto y venden, a los compradores desprevenidos, piezas elaboradas en cobre y bronce bañados en oro, y terminan engañando a los parroquianos que se dejan deslumbrar por el color y la textura del material.
Ésta es una de las importancias del Museo del Cobre, sin gastar dinero en cursos de “Aprenda a reconocer el Oro en 3 DVD’s” o“Hágase rico, conozca el Oro”, la visita al museo le brinda la oportunidad de aprender a reconocer las diferencias que existen entre los metales mencionados y además genera una idea de cómo reconocer una pieza de gran valor frente a otra que no lo tiene.
Como buenos colombianos, utilizamos los legados dejados por los abuelos en la cotidianidad de nuestras vidas, y el cobre no se puede quedar por fuera de la llamada “tradición popular”, hay quienes afirman que dicho mineral posee grandes poderes medicinales y es utilizado contra los dolores reumáticos (entre estos ubíquese a la enfermedad gotosa o gota), ayuda a mantener la presión arterial estable, y hasta es usada como protección ante las malas energías, “hay personas que vienen por una pulserita de cobre para que les aleje las brujas”, dice con un jocoso acento caldense don Jaime.
Aunque dichas creencias sean causadas por el voz a voz, actualmente la ciencia de la mano con la medicina, están realizando estudios para darle al cobre un papel determinante en la prevención y tratamiento del Cáncer, de la Osteoporosis y de enfermedades cardiovasculares y cerebrales. He aquí un claro ejemplo de cómo la cultura popular puede trasladarse a campos más influyentes dentro de la sociedad.
Pero no todo son palabras en el Museo del Cobre, los trabajos orfebres que allí se exhiben no tienen valor comercial para don Jaime, son producto de colecciones familiares y lo mejor para el visitante es que puede interactuar con ellos, no hay barreras ni vitrinas para palpar la historia; claro está que hay piezas que sí están a la venta y que oscilan entre los 2 mil hasta 3 millones de pesos, “de algún lado se tiene que mantener el museo”señala don Jaime.
Un pequeño mundo lleno de grandes historias, así es el Museo del Cobre, un espacio de nuevos conocimientos y distintas remembranzas que se ubica en la Carrera 6 No. 14 – 38 ¿tan lejos?, para que se ubique mejor descienda de su Transmilenio en la estación Museo del Oro, y al frente de la Plazoleta del Rosario podrá encontrarse con esta galería. Y para aquellos que dejan de acudir a los museos por falta de dinero, el del Cobre le brinda la oportunidad de visitar sus instalaciones de manera gratuita, así que no hay excusa.
Mayor información sobre visitas programadas (grupos, estudiantes, familias, desprogramados) comunicarse al 3422407.
Raymundo Charrys, barranquillero nacido en el año de 1959, se dedicaa una de las más Bellas Artes,Laescultura; forma de moldear el barro, tallar la piedra, madera y otro tipo de materiales.
Esteescultor inicióhace 25 años de una forma recreativa, y al pasarel tiempo se convirtió en su profesión. En esa época paseando por el norte de barranquilla, en las playas de Santa Verónica, Salgar y Puerto Colombia en el Atlántico, decidió jugar con la arena, dándose cuenta que tenía una gran facilidad para moldear este materialy como el mismo lo dice, esto lo hacía sentir muy bien ya que podía expresar su creatividad de una forma diferente.
Hace 11 años llegó a Bogotá invitado por el Ministerio de Cultura para participar en una actividad artística, y a partir de ese momento se radicó en la capital colombiana.
Su participación en el Festival de Verano, (evento que se realiza con motivo de la celebración del cumpleaños de Bogotá), empezó en 1998, exhibiendo sus obras y compartiendo con miles de visitantes su arte plasmado en la arena. Hizo un receso en el año 2006 ausentándose del festivalpor inconvenientes de tipo personal, pero reanudó este año con mucha fuerza y gran reconocimiento por parte de los espectadores que ya extrañaban sus obras.
En esta ocasión, su trabajo en el festival capitalino se basó en la cultura egipcia, por ser éste el país invitado al gran evento.
Entre sus trabajos se encuentran algunas esculturas que están ubicadas en varias partes de la ciudad; dentro del Parque Simón Bolívar hay un yocarro, un tapiro y una tortugaelaborados en hierro revestido en cemento; en el Parque el Tunal existe un delfín rosado y en el barrio Girardotuna rana cuya lengua es utilizada como rodadero.
Cada figura es un reto, y según sus palabras cada persona que ve sus obras y aprecia su arte es una motivación más para seguir realizando una a una y de manera profesional cada figura con gran cariño para todo su público.
Para percibir otros ingresos, ¨Ray¨ como es conocido en el medio, dicta cursos de moldeado en su empresa denominada ¨Rayarte¨; allí,enseña a los niños los procedimientos necesarios para adquirir facilidad en los procesos de apropiación y conocimiento del arte.
Si desea aprender más acerca del arte o del tema, puede contactarlo en rayarte@yahoo.es
